[리뷰 1]

부산의 소리, 브람스로 울리다 Ⅱ

Sound of Busan #2

부산심포니오케스트라

김정화 음악평론가

차가운 바람에 벚꽃이 날리던 저녁, ‘브람스 사이클’ 시리즈 두 번째 공연이 지난 4월 4일 부산문화회관 대극장에서 열렸다. 젊은 지휘자 지중배가 이끄는 부산심포니오케스트라(BSO)와 바이올리니스트 김다미가 협연자로 함께 섰다. 프로그램은 브람스 <교향곡 제1번 다단조, Op.68>을 비롯해 <바이올린 협주곡 라장조, Op.77>과 김종완이 작곡한 <완성의 여정, Journey to Becoming>이 세계초연으로 꾸려졌다.

이날 공연은 부산 출신 작곡가에게 창작 기회를 제공하기 위해 위촉한 김종완의 <완성의 여정>으로 문을 열었다. 반도네온 연주자로도 활동하는 그는 다양한 장르의 실험적 작업을 이어가고 있다. 새로운 현악 오케스트라 작품에서 ‘여정’을 테마로 현대음악과 감성적 내러티브의 경계를 탐색했다. 다채로운 현악기 음색의 조합에 시시각각 변하는 리듬패턴이 이목을 끌었고, 감각적인 모티브 사용이 인상적이었다. 작곡가는 브람스적 “선율적 전개, 구조적 유기성, 감정적 흐름을 현대적 관점에서 재구성했다”고 밝혔지만, 정작 곡 전체를 아우르는 구조적 명료성은 아쉬웠다. 작품 전체를 관통하는 유기적인 주제나 형식이 뚜렷하게 드러나지 않아 ‘여정’이라는 개념이 설득력을 얻기에는 시간이 필요해 보인다. 더욱이 브람스에 연관성을 강조하려면 좀 더 무게감 있는 고찰이나 긴장감 있는 전개가 필요해 보였다.

고독에서 몰입으로 브람스를 응시하다

김다미는 무대에 다소 불편한 걸음걸이로 힘없이 나왔다. 무표정한 모습에서 세계적 무대 경험을 지닌 연주자라기보다는, 긴장 속에서 자신의 컨디션을 고요히 끌어올리려는 내면의 싸움이 먼저 읽혔다. 이 분위기는 연주 시작까지 이어졌다. 브람스 <바이올린 협주곡>은 겉으로는 전통적인 낭만주의 협주곡의 형식을 따르고 있지만, 그 안에는 치열한 구조적 사유, 인간적 고독, 절제된 감정이 숨겨져 있다. 브람스는 이 곡을 독주자를 위한 쇼케이스가 아니라, 오케스트라와 솔리스트가 서로를 밀고 당기며 긴밀하게 대화하는 ‘교감의 드라마’로 구상했다. 처음 발표 당시에 “바이올린 협주곡이 아니라 바이올린이 있는 교향곡”이라는 비판을 받았을 만큼 무겁고 복합적인 구조를 지닌다. 솔리스트에게는 화려한 기교 이상의 해석과 체력뿐만 아니라 깊은 집중력까지 요구한다. 김다미는 그런 요구들 사이에서 조금 혼란스럽게 출발했다.

1악장의 첫 프레이징은 예상보다 힘이 없었고, 소리의 밀도나 집중도가 부족했다. 그의 명성에 기대를 품고 온 관객에게는 적잖이 당혹스러운 순간이었다. 그러나 지중배는 김다미와 교감하며 음악적 대화를 섬세하게 이끌었고, 그 배려는 무대에 녹아들었다. 김다미는 그 언어에 조금씩 다가가 1악장 중반부터 몰입을 회복해 명확한 프레이징과 섬세한 보잉으로 균형을 되찾았다. 음 사이의 여백에서도 사유의 흔적이 느껴지기 시작했다. 2악장에서는 브람스가 요구한 ‘노래하는 바이올린’을 긴 호흡과 섬세함으로 충실히 화답했다. 숨죽이게 만드는 고요함 속의 밀도와 저음에서 고음으로 이어지는 음색의 흐름은 마치 내면의 독백처럼 다가왔다. 말보다 사색을 택하는 브람스의 절제된 감정 표현이 고스란히 전달됐다. 3악장에서는 그 감정의 절정을 경쾌함으로 풀어내 안정감 있게 이끌었다. 빠르고 복잡한 리듬 변화와 예민한 전환에도 흐트러짐이 없었고, 마지막 호흡까지 충분히 살리며 깔끔하게 마무리했다.

이날 김다미의 연주는 불안정한 출발에서 조금씩 몰입을 회복하며, 결국엔 브람스가 의도한 깊이 있는 정서인 ‘음악적 대화’를 관객과 나누었다. 브람스가 협주곡이라는 형식을 빌려 말하고자 했던 내면의 품격과 고독은 연주자가 사유하는 자세에서 비롯된다는 사실을 일깨운 무대였다.

안정된 리드, 아쉬운 에너지

브람스 <교향곡 1번>은 그 자체가 여정이다. 감정을 무장해제 시키기보다 끝없이 조율하고 정제하며 기다리게 해 연주자에게 고도의 집중과 구조적 이해를 요구하는 작품이다. 브람스는 이 교향곡을 완성하기까지 20년 넘게 침묵했고, 그 세월은 작품에 고스란히 새겨져 있다. 이 곡을 연주한다는 것은 단순한 정서 구현만으로는 부족하다. 엄격한 구조 속에 감정을 밀어 넣고, 묵직한 형식 안에서 서서히 자신을 드러내야 한다. 그만큼 이 음악을 진심으로 이해한 연주는 많지 않다. 하지만 BSO의 연주는 인상적인 해석 중 하나로 남았다. 긴장을 견디며, 불완전함에서 성숙으로 나아가는 과정 자체를 감동으로 전환 시켰다. 그 중심에는 조화와 절제를 간파한 지휘자가 있었다.

이번 공연은 BSO가 더 완벽한 앙상블을 위해 분명하게 짚고 넘어야 할 과제들을 확인하는 자리기도 했다. 1악장에서 바이올린 피치카토는 소극적으로 들렸고, 현악기 투티에서는 관악기 주선율이 묻히는 순간도 있었다. 그러나 오케스트라는 이내 균형을 찾아가기 시작했고, 점차 음악 안으로 걸어 들어갔다. 지휘자의 음악적 제스처와 함께 앙상블은 조금씩 균형을 회복했다. 2악장에서는 바이올린의 피아니시모 트레몰로가 민첩성을 잃기도 했다. 악장 후반의 바이올린 솔로는 부드럽게 녹아들었지만, 자연스럽게 떠오르며 음악의 중심을 형성하는 선명한 소리의 결이 채워지지 않아 아쉬웠다. 3악장은 정교한 분위기 전환이 인상적이었으나, 현악기의 다이내믹은 목관 솔로를 돋보이게 하려는 의도와 별개로 너무 작게 들려 존재감이 희미했다. 4악장에서도 이와 같은 아쉬움이 반복됐다. 물론 금관의 단단한 하모니는 떠오르는 태양처럼 뻗어나가며 장면을 바꾸었고, 첼로 시퀀스의 든든한 지지가 전체 흐름을 깊고 단단하게 마무리 짓는 힘으로 작용했다. 다만, 유명한 코랄형 악절 주제에서 오케스트라가 프레이징의 마지막 음까지 귀 기울이며 연주하는 모습을 확인할 수 없었던 점이 큰 아쉬움으로 남는다. 또한 빠르게 하행하는 제1·2바이올린의 악구에서 음이 하나씩 어긋나는 부분을 위해 두 파트를 무대 한쪽에 모으는 대신 무대 양쪽으로 펼쳐 배치했더라면, 소리의 주고받음이 효과적 음향으로 전달되었을 것이다. 이는 차이코프스키〈비창 교향곡〉 마지막 악장에서 드러나는 음향적 대비와 유사한 맥락이다.

브람스 교향곡은 ‘음악적 정직함’을 요구한다. 치밀한 구조 속에서 고요하게 제어된 감정을 품고 그 안에서 자아를 찾는 일이다. 지중배와 BSO는 이러한 질서를 받아들여 거대한 구조에 성실히 접근했고, 결정적인 순간에는 강렬한 인상을 남겼다. 그것은 단지 잘 연주된 음악이 아니라, 진심으로 무엇을 함께 만들고자 했던 사람들의 흔적이었다. 그것이야말로 브람스가 평생 음악에 담고자 했던 메시지일 것이다.

[리뷰 2]

서사적 군더더기, 주제의 약화와 모호함

부산시립극단 스타 프로젝트 ‘오롯이 빛나는’ & ‘초월자’

김문홍 극작가, 연극평론가

부산시립극단의 <스타 프로젝트>는 두 가지 의미를 지닌다. 하나는 중대극장에서 공연하던 종래의 관습에서 벗어나 소극장에서 관객을 만나 연극의 진면목을 보여준다는 의미이고, 다른 하나는 중견이나 신인 예술가에게 작품을 의뢰해 극작, 연출, 배우를 재조명한다는 의미이다. 지지난해의 원로 극작가, 지난해의 중견 연출가 스타 프로젝트에 이어, 올해는 직접 작품을 쓰고 연출하는 신인 연출가를 재조명했다.

<오롯이 빛나는>(2025. 3. 28.~29, 차승호 작, 연출, 110분, 부산시민회관 소극장)과 김민우의 <초월자>(2025. 4. 4.~5, 김민우 작, 연출, 125분, 부산시민회관 소극장)는 신작 무대로서, 두 작품 모두 일반 관객에게는 서사적 재미를 주었지만, 두 연극인에 대한 동료 연극인의 기대에는 조금 못미처 아쉬움을 주지 않았나 싶다. 즉, 신인으로서의 파격적인 주제의식과 형식적 독창성에 대한 욕구를 충족시키지 못했다는 것이다. 희곡으로서의 참신함과 표현 형식으로서의 독창성은 신인의 전매특허나 다름없는데, 그 필요충분조건으로서의 기대가 부족했다는 말이다. 연극 예술가적 신인으로서의 파격성, 참신성, 도전적인 자기만의 고유한 연극 문법이 보이지 않았다는 점이다.

차승호가 쓰고 연출한 신작 무대인 <오롯이 빛나는>이란 작품은 희곡으로서의 주제의식은 동시대적 요구이고 보편성이 있지만, 무대 위에 표현된 형식으로서의 공연은 산만하고 지리멸렬한 느낌을 주었다. 문학으로서의 희곡과 그것을 재현하는 공연은 엄연히 다르다. 연극은 제한된 시간 예술이기 때문에 모든 것을 다 보여줄 수 없고 또한 보여줄 필요도 없다. 압축과 절제는 희곡과 공연의 미덕이다. 또한 모든 장면과 그것을 이루는 에피소드는 주제와 통일성을 이루어야 한다. 즉, 주제와 관련 없는 것은 압축과 절제가 필요하다는 것이다. 그런 표현의 절제를 통해서 관객도 나름대로의 상상을 할 수 있는 여백을 남겨 놓아야 한다는 말이다.

이 작품은 이름난 야구 선수의 꿈을 키우는 아들 우동기(채민수 분)와 장터에서 각설이 행상으로 엿을 파는 어머니 디올이(이현주 분)의 끈끈한 모자간의 사랑을 통해, 현실의 빈곤과 아픔을 잊고 미래의 꿈을 엮어가는 서사적 얼개가 주축을 이루고 있다. 거기에 마씨(이혁우 분), 째빌이(조정우 분) 등이 어머니 행상 동료로 합세에 관객의 웃음을 유발하고 있다. 전반부는 우동기의 야구 시합과 연습, 그리고 어머니의 행상 행각을 통해 쏠쏠한 재미를 보여주고, 후반부는 어머니의 발병으로 이의 회복을 위해 아들 우동기가 어머니에게 쏟는 사랑을 통해 눅진한 감동의 여로를 펼치는 서사 얼개를 이루고 있다.

이 작품은 모자간의 보편적 사랑과 희생으로 관객의 심금을 울리는데 초점을 두고 있다. 그래서 이런 주제의식에 불요불급한 장면과 에피소드는 과감하게 삭제하는 압출과 절제가 필요하다. 그런데 웃음을 유발하는 재미적 요소가 너무 과하게 끼어들어, 관객이 진득하게 모자간의 사랑에 동화되는 심리적 여백을 제공하지 못하고 있다. 그런 웃음과 재미도 보편적 사랑에 대한 강조와 극적 환상이 되어 주제의식의 반작용이 되어야 하는데, 그러지 못한 채 따로 펼쳐지고 있다는 느낌을 지울 수 없다. 주제의식에 기여하지 못하는 요소에 대한 압축과 절제가 이루어지지 못한 탓이다. 그러나 어머니 역의 이현주, 마씨 역 외에 여러 역을 능청스럽게 소화하는 이혁우, 그리고 극적 재미에 방점을 찍는 조정우와 어머니에 대한 사랑을 혼신으로 소화해 내는 아들 역의 채민수의 연기는 물이 오를 대로 오른 성숙함을 보여주고 있다.

김민우의 <초월자>는 일종의 첩보 스릴러 형식으로 완벽한 서사적 얼개를 보여주고 있다. 한 치의 실수도 허락하지 않는 현란하고 빈틈이 없는 무대 전환의 운용술, 그리고 역할을 맡은 배우들의 연기적 앙상블과 정제된 대사와 전달력이 뛰어난 화술과 시공간의 변화를 자유자재로 활용하는 조명 등 무대 표현의 완숙미를 보여준다. 즉, 시청각적 무대 표현은 서사의 추동력이 되고 있다. 리드미컬한 서사 전개를 위한 무대 전환과 운용술을 위한 빈틈없는 연습의 숙련도를 느끼게 해주고 있다.

그러나 이 작품은 다 보고 나서 우리에게 무엇을 얘기하고 있나에 대한 주제의식이 모호한 점이 못내 아쉽다. 후반부 끝부분에서 단장(주형준 분)과 동욱(이태성 분) 간에 대립과 갈등으로 인한 반전이 제시되고는 있지만, 그것이 명확하게 제시되지 못해 관객에게 떨떠름한 여운을 남겨 다소 아쉬웠다. 좀더 쉽고 명확하게 관객에게 주제의식이 전달되었으면 했는데 그러지 못한 점이 있다. 이 작품 역시 관객에게 재미를 주기 위해 웃음을 유발하는 장면이 더러 보이는데, 그 웃음이 주제의식과 동떨어져 있어 서사의 압축과 절제가 이루어졌어야 했는데 그러지 못한 아쉬움이 있다.

단장 역의 주형준은 정확한 화술과 군더더기 없는 연기를 보여주었고, 동욱 역의 이태성은 서사적 통일성을 보여주는 진지함으로 일관했고, 황창기와 서보기, 그리고 김은희는 재미성으로서의 맛깔난 연기를 보여주었다. 그러나 재미성 역시 주제와 관련을 보여주고, 그 지속성의 절제를 보여주었을 때 더욱 빛이 나게 마련이다. 재미있는 웃음도 자꾸 보여주다 보면 식상해질 수 있다는 것을 알아야 할 것 같다. <초월자>는 완벽한 극작술과 무대 표현의 완벽성을 보여주는 김민우라는 극작가와 연출가를 새롭게 발견했다는 점에서 큰 의의가 있다.

부산시립극단의 ‘스타 프로젝트’는 이제 본 궤도에 오른 것 같다. 이러한 콘셉트를 통해 부산연극의 유망주를 발견해, 부산연극의 지평을 보다 더 확대해 주기를 바라는 것은 필자만의 기대와 소망은 아닐 것이다.